Por Adriana Schmorak
Flávia
Junqueira trabaja principalmente con fotografía. El universo visual de la
infancia y la construcción de un imaginario sobre esta primera etapa de la vida
impregnan la obra de la artista desde el inicio de su producción.
Efectivamente,
en la fotografía presentada en ArtRio 2021, Ingenio de Piracicaba#1, vemos en
el centro de la escena un globo aerostático que llama la atención por el
espacio que ocupa y por la variedad de colores saturados que ostenta,
utilizadas frecuentemente en cuentos, dibujos animados, películas infantiles e
incluso en juguetes.
Además,
llama la atención la ausencia de figuras humanas y el hecho de que los objetos
infantiles permanezcan en medio de un espacio declarado patrimonio nacional.
Como sucede con su obra de 2019, Theatro João Caetano nº1, donde flotan globos
de colores variados en el espacio interior del teatro más antiguo de Río de
Janeiro.
Así,
la fotografía de Flavia Junqueira alude críticamente a nuestra situación
actual, una época en que coexisten el placer visual y la posesión de objetos
lujosos, brillantes, coloridos, sobre un fondo en ruinas, solitario y vacío de
humanidad. Al mismo tiempo, una imagen virtual que nos llega a través de
películas y cuentos infantiles, llenos de color e ingenuidad, frente a una realidad
imperfecta y vacía de sentido.
Las
obras de Junqueira forman parte de la colección de importantes museos y centros
de arte tales como el MAM-SP, MIS-SP, MABFAAP, Museo de Itamaraty, RedBull
Station, World Bank e Instituto Figueiredo Ferraz. En ArtRio 2021, la artista
fue representada por la Galería Zipper de São Paulo.
A
continuación, presentamos nuestra entrevista con la fotógrafa brasileña.
¿Cómo fue su primer contacto con la fotografía?
Me
gradué em la FAAP (Fundación Armando Alvares Penteado). Hice Licenciatura en
Artes Plásticas y el primer contacto fue en la propia Facultad. Por supuesto
que yo ya me movía con la cámara fotográfica de una manera muy común, como
cualquier niño, con aquellas máquinas analógicas, pero nada no sentido de una
apropiación, incluso con un medio, como un soporte para mi trabajo artístico.
Entonces
tuve esta relación directa cuando me uní a la Universidad, experimenté con
varios soportes y uno de ellos fue la fotografía.
Trabajé
con escenografía teatral durante la Universidad y usaba mucho la cámara para registrar
escenografías y pequeñas maquetas. Construía pequeñas situaciones, con
miniaturas y objetos, y luego las fotografiaba.
Al
final de la Facultad, en 2008, en mi TGI, que era mi trabajo de Graduación Interdisciplinaria,
presenté una serie llamada "En la Compañía de los objetos" en la que
me ponía aglomerada con todos los objetos de mi casa y hacía autorretratos.
Así
que mi primer contacto con la fotografía, de hecho, fue a través de estos
autorretratos.
¿Por qué elegiste el universo infantil como tema principal de tu
trabajo?
El
tema del universo infantil no fue una elección, pero fue un proceso. Desde niña
he conseguido entender en la Infancia algo muy mágico y teatral y siempre he
tenido una afinidad muy grande con ese período que está en la memoria de los
adultos.
Poco
a poco, en la adolescencia, en mi juventud y más madura, me di cuenta de que
este universo infantil no había salido de mí en ningún momento. Fue cuando
empecé a entender que esos elementos traían un sesgo más teatral, más
apaciguador, menos racional, menos ligado a la idea de Progreso, idea que fue
muy planteada por la Arquitectura moderna.
Cuando
transformo los espacios a través de apropiaciones de elementos lúdicos como
estos Globos, los carruseles, las burbujas de Jabón, estoy queriendo traer un
poco de la temporalidad de la Infancia, que es un presente: no tiene ni la
nostalgia del pasado ni la ansiedad del futuro, el tiempo de ahora, el tiempo
del niño.
Yo
también tengo afinidad con lo que tiene que ver con el coleccionismo y la
catalogación de objetos. De tomar la funcionalidad del objeto y llevarlo al
campo de la colección de algo que no tiene un objetivo determinado. La
colección de cualquier objeto supone que la gente saque el objeto de su función
original y comience a acumularlos.
En
un segundo momento, estoy lidiando con arquitecturas patrimoniales hechas para
durar y, al mismo tiempo, estoy colocando elementos que acaban muy rápido, para
que aquel instante muy rápido del ser niño sea llevado para el adulto, el
espectador que está viendo la obra. Para que también se convierta en un niño.
El
universo infantil es un proceso que no tiene principio ni fin, pero sucede como
proceso artístico, como intención para el entendimiento del espectador y como
proposición de un pensamiento que va contra el progreso, contra la idea de
racionalidad colocada allí por la modernidad.
¿Considera que sus fotografías tienen un significado aparente y un
significado oculto?
Considero
que las fotografías tienen un significado aparente y un significado oculto.
Como en muchos trabajos artísticos, principalmente en arte contemporáneo.
Sobre
todo, mi trabajo que habla a través de la imagen y de lo visual de una manera
muy directa. Las personas se acercan a mi trabajo de una manera muy directa
cuando reciben esa explosión de color, esa explosión de energía de elementos de
la infancia, de teatralidad.
Pero,
sin embargo, a menudo bromeo allí con la cuestión de los patrimonios históricos,
la mayoría de ellos abandonados en un país que no da valor a la cultura, un
país que no muestra aprecio por el patrimonio. Es una manera de traer nuestra
historia y mostrarla a la gente.
Muchas
personas conocen teatros del mundo todo, pero no conocen un gran teatro
brasileño como, por ejemplo, el teatro de Manaos, que tiene una fuerza
histórica muy grande y que marca un período muy importante en Brasil.
Mi
trabajo tiene muchas capas, que es ir en contra de una idea de progreso, de
racionalidad, de función. Esta idea de que el adulto tiene que producir, tiene
que hacer, trabajar, y que solo el niño puede soñar, solo el niño puede sentir
el verdadero regalo.
Entonces,
básicamente, las capas están mucho más allá de la cuestión de la apariencia que
surge de una imagen que tiene una relación de composición, de simetría, de
belleza, de acumulación de colores, que es muy agradable a la vista.
Pero
cuando uno empieza a ver que esos espacios no tienen personas, están vacíos y
son espacios patrimoniales, espacios que son vistos de modo siempre
abandonados, toda esa cuestión de crear una relación de fricción allí con
algunos ideales, y principalmente entender los espacios y la mirada en ellos.
Todo esto es muy importante para mí.
¿Por qué los espacios en sus fotos se caracterizan por la ausencia de
figuras humanas?
En
este momento es muy importante que la arquitectura y los objetos sean los
grandes protagonistas. Como he dicho muchas veces, son espacios que están
obsoletos, abandonados, espacios de nuestra cultura, de nuestro patrimonio que,
infelizmente en Brasil, no reciben el valor que deberían.
La
figura humana apareció inicialmente en mi trabajo durante unos tres años
seguidos, cuando yo hacía autorretratos, y aparecerían mucho en las fotos de la
serie "En compañía de los objetos" y en la serie "Casa en
fiesta".
También
hice un trabajo que era un autorretrato con mi padre y he tenido algunas obras
donde el personaje o estaba oculto detrás de los globos o él era un
autorretrato claramente dado, mío, de la artista.
En
ese momento y en esas principales series que he hecho actualmente, siento que
fue muy natural esa salida del personaje y la entrada de un nuevo personaje que
en el momento es un gran protagonista que son esos elementos de la infancia:
los caballos de carrusel, los globos, las burbujas de jabón.
Todos
esos elementos toman el lugar de una figura que no es una figura humana, pero
es una gran figura que está allí para hablarnos, para hacernos pensar sobre
cómo es que la gente lidia con esos objetos que la mayoría de las veces tienen
una duración muy corta.
La
burbuja de jabón es solo un instante para que suceda y desaparezca. El globo
dura poco tiempo, 8 horas y se marchita. Para pensar un poco sobre la soledad,
sobre el desplazamiento de esos espacios, que son espacios hechos para durar.
Trato
de crear una teatralidad para ellos a través de un objeto que es lo contrario
de estas arquitecturas, no fue hecho para durar, es un objeto que termina, así
como la fiesta termina, así como la vida misma de todo el mundo termina.
Entonces,
mi trabajo es una reflexión sobre la finitud de la figura humana y sobre la
finitud de las cosas, a través de estos elementos tales como los caballos de
carrusel, los globos y las burbujas de jabón.
¿Hay algo en su trabajo que haga referencia a nuestra situación actual
como sociedad?
En
mi trabajo hay muchas referencias actuales que hacen que el espectador, en el
primer momento, sea atraído por lo visual, y en un segundo momento él también
pueda reflexionar sobre esos espacios patrimoniales, sobre nuestra sociedad,
sobre nuestra cultura, acerca de lo que fue hecho de nuestros patrimonios.
Si
el espectador ya ha entrado en ese lugar y él se siente tentado a ver eso, él
puede pensar cuánto de su historia está allí, de la historia de su propio país.
¿Dónde será su próxima exposición?
La
exposición actual en Zipper Galería está en cartel. Se llama "Iglesias
barrocas y caballitos de palo" y trae un paralelo entre las formas
visuales del Barroco y una relación con las formas y los movimientos de los
antiguos parques de diversión.
En
alusión a un texto de un teórico que se llama Roger Bastide. Este teórico me
fue presentado por el curador Ícaro Ferraz Junior, quien me acompañó durante un
año a través de contactos y diálogos sobre mi trabajo.
Esta
exposición habla sobre el momento en que termino mi doctorado en la Unicamp en
Artes Plásticas. Esta exposición muestra siete obras realizadas a través de la
fotografía puesta en escena, que es el género de la fotografía que más uso.
En
la próxima exposición, en febrero, voy a hacer una instalación, todavía no
puedo decir exactamente cuál será el lugar. Va a ser una instalación con globos
de vidrio, que es un elemento que ahora empiezo a investigar más.
Pronto
voy a participar en el programa Metrópolis de TV Cultura. El año que viene el proyecto
es ir hacia afuera. Algunos teatros europeos ya me han invitado a hacer la
catalogación europea con los globos.
Creo
que la cuestión de la instalación toma cada vez más espacio en mi trabajo, sale
de la fotografía. Hay muchas cosas buenas que hacer el año que viene.