Oscars 2026

Es necesario destacar en los Oscars de este año, no solo lo que se ha ganado con las películas premiadas, sino lo que se ha perdido con la desaparición de estrellas muy conocidas de la cinematografía mundial como Robert Redford, Diane Keaton, Richard Chamberlain, Claudia Cardinale, Brigitte Bardot y Robert Duvall, entre otros, lo cual sigue demostrando, no obstante, el poder del séptimo arte para inmortalizar a sus figuras.
Si hace algunos años se criticó a Hollywood por no considerar lo suficiente la obra de las minorías, este año estas han sido el centro de las premiaciones, especialmente en “Sinners”, de Ryan Coogler y “One Battle After Another”, de Paul Thomas Anderson. “Sinners”, dirigida, producida y actuada por artistas en su mayoría de color, recibió 16 nominaciones, lo cual ha sido un récord en la historia de los Oscars, y obtuvo los de mejor guion original, actor protagonista, fotografía y banda sonora original.
Una película dura, como la mayoría de las escogidas, buscando reflejar con ello estos tiempos tan violentos por los cuales atraviesa el mundo, combinó el cine realista y el de terror, en el devenir de una comunidad negra del sur de Estados Unidos, en 1932, asediada por la pobreza, el odio racial, y la marginación política y social por parte del estatus quo; y a donde llegan unos vampiros para apropiarse del alma de sus integrantes, prometiéndoles liberarlos de las persecuciones y darles la inmortalidad. El hecho de que fueran un inmigrante irlandés y una pareja del Ku Klux Klan los amenazadores vampiros, resultó ser una alegoría de los prejuicios existentes, en una época cuando el desempleo entre los trabajadores de color duplicaba el de los trabajadores blancos, dándoseles preferencia a estos últimos para ocupar los escasos puestos vacantes, además de ser los afroamericanos los primeros en ser despedidos si se reducía la plantilla, amén de los linchamientos, asesinatos y abusos sufridos por la comunidad entonces.
A pesar de todo, el humor, la sensualidad del blues, los placeres del sexo y la comida quedaron muy bien expresados mediante una fotografía saturada, otorgándole densidad a los encuentros entre los protagonistas, y una cinematografía donde los grandes planos de los campos de cultivo del algodón, y los planos cerrados en el local en que la música era el centro, les dieron su ritmo a la diégesis. Aquí se superpusieron las luchas por la sobrevivencia de la comunidad, con la atracción del dinero fácil, que los gemelos Stack y Smoke, interpretados en un doble papel por Michael B. Jordan (Oscar al mejor actor protagonista), trajeron al pueblo tras su paso por la mafia de Chicago. Ello, como leitmotiv de las esperanzas y ambiciones de quienes quedaron fuera del llamado sueño americano. En palabras del director: “Si eras negro, trabajabas como aparcero, y solo tenías unas pocas horas de respiro los viernes y sábados por la noche, y los domingos por la mañana en la iglesia. Pero albergabas las mismas esperanzas, deseos, sueños y ambiciones, chocando de frente con las realidades de este lugar”.
De manera similar, “One Battle After Another” reflexionó acerca de las injusticias en Estados Unidos, llevando a cabo una ácida crítica al poder de la extrema derecha, el ascenso de los autócratas y la persecución de los inmigrantes, en la historia de una célula guerrillera antifascista. Sean Penn (Oscar al mejor actor de reparto), como el comandante de un campo de detención de inmigrantes, y Leonardo Di Caprio (nominado como mejor actor protagonista), en el papel del jefe de la célula guerrillera, realizaron un poderoso trabajo actoral, realzado por los juegos de plano-contraplano y una cámara muy ágil que imprimió gran vivacidad al desarrollo argumental, especialmente en las escenas de persecuciones y operaciones subversivas del grupo.
La violencia de género por parte del comandante contra una integrante del grupo guerrillero, una mujer de color explosivamente interpretada por Teyana Taylor (nominada como mejor actriz de reparto), espejeó la degradación de la mujer a lo largo de los siglos en Estados Unidos; desde las esclavas por parte de los encargados de las plantaciones sureñas, hasta las empleadas de menor rango a manos de sus jefes en el lugar de trabajo. Esto, reviviendo la polémica del #Me Too y su lucha contra el silencio por parte de las abusadas. Algo a lo que aludió Conan O’Brian, maestro de ceremonias, cuando apuntó que “oímos hablar mucho del coraje en estas galas, pero la verdadera valentía es contar una historia por la que te puedan matar. Como saben, hay algunos países cuyos líderes no apoyan la libertad de expresión”.
“The Secret Agent”, del brasileño Kleber Mendonça Filho (nominada como mejor película y mejor película internacional), se hizo eco de tales apreciaciones, en las vivencias de un profesor universitario en los años setenta, perseguido por la dictadura, y quien busca refugio en Recife, para seguir con su trabajo dentro de la resistencia. Wagner Moura (nominado como mejor actor protagonista), hizo el papel del profesor, en una sensible interpretación, donde lo poético convivió con lo abyecto, dentro de un ambiente carnavalesco, cargado de sugerencias y dobleces donde, no obstante, los peligros cerniéndose sobre él acabaron destruyéndolo. Sería su hijo quien, años después recordaría al padre y con él la represión de un tiempo donde gran parte de Latinoamérica estaba bajo la bota del dictador.
Una ajustada reconstrucción de la época y un excelente reparto, nominado para el Oscar en esta nueva categoría, contribuyeron a crear el ambiente justo donde los amores y humores de los protagonistas encontraron el espacio necesario para explayarse y ser. Esto, siguiendo la tendencia de otros films del director como “Aquarius” (2016) y “Bacurau” (2019), y el documental “Pictures of Ghosts (2023), donde las pequeñas historias de las batallas de los personajes logran influir sobre la grande y la alimentan. En sus palabras: “En un país que, por razones políticas, ha borrado —o ha intentado olvidar, o ha intentado no recordar— aspectos importantes de la historia, el mero hecho de recordar algo podría acarrearte la acusación de ser comunista o radical, simplemente por decir: ‘Pero las cosas no sucedieron así’. Y creo que existe una fuerte resistencia a enfrentar la realidad”.
Evadirse de la realidad para no tener que enfrentar una dolorosa pérdida, tuvo en “Hamnet”, dirigida por Chloé Zhao una vibrante resolución, de la mano de Will, el futuro William Shakespeare y Agnes (Jessie Buckley, Oscar a la mejor actriz protagonista) su esposa, impotentes ante la muerte de su hijo Hamnet como consecuencia de la peste bubónica que azotaba Europa entonces. Basada en la novela de Maggie O’Farrell “Hamnet: A Novel of the Plague”, publicada al principio de otra plaga también muy mortífera como fue el Covid, esta película profundizó, no solo en las consecuencias psicológicas de la tragedia, sino en la novelada intimidad entre Will y Agnes, movida entonces por un sufrimiento sin porqués, del cual, se especula, Shakespeare hizo acopio años después para escribir “Hamlet”.
La cámara recorrió los paseos de la pareja por un intrincado bosque, buscando ellos escapar de la plaga y de sí mismos, con el mismo tempo calmado puesto a consignar las cuarentenas, las muertes y las luchas de los doctores por contener el mal, a fin de generar un continuum conducente a la meditación sobre lo efímero de la existencia y la vida en el más allá, tan cercanos a la obra teatral. Ello, sin ralentizar el ritmo de la diégesis, buscando así filtrar detalladamente el mundo circundante, a través del tiempo y la experiencia para aprehenderlo. El poder de las actuaciones, especialmente de Buckley, imantó a la audiencia conduciéndola a través de su propio bosque para alcanzar la claridad.
La vuelta al pasado para tratar de entender un presente que se escapa, centró el argumento de “Sentimental Value”, producción noruega de Joachim Trie, nominada como mejor película y Oscar a la mejor película internacional. Aquí la difícil relación entre un padre y su hija tuvo un sugestivo desarrollo a partir de otra muerte, la de la esposa y madre respectivamente, de los protagonistas, ambos sin las herramientas afectivas para enfrentar el dolor de la pérdida. Sería a través del diálogo, a pesar de ellos mismos, como pudieron aceptar lo inevitable y encontrar finalmente un canal de comunicación. Esto, en el marco de la casa familiar, cuyos espacios aireados e iluminados generaron el ambiente conducente a la conversación y el recuerdo, donde los fantasmas aparecían para hacerles enfrentar episodios violentos que preferían olvidar. El hecho de ser un cineasta y una actriz quienes confrontaron y expusieron sus deficiencias, les permitió acercarse, cuando el padre le pide a la hija actuar en su próxima película; con lo cual el trabajo al que ambos se hallaban totalmente dedicados les llevó a confluir y entender las razones de tanto extrañamiento.
El cine de Ingmar Bergman, especialmente en “Gritos y susurros” (1972) y “Sonata de otoño” (1978) planeó sobre el desarrollo del argumento, las actuaciones y el uso de la cámara subjetiva, permitiéndole al espectador participar de lo preciso de los diálogos y lo distintivo de la cinematografía, a fin de penetrar en la psicología de los personajes. “El desafío de la película para mí radicaba en cómo lograr que esa claridad y esa honestidad se manifestaran, cuando la cinta trata precisamente sobre lo opuesto: nuestra evasión, la incapacidad de nuestra familia para comunicarse, los roles que nos asignamos mutuamente de manera inconsciente. Gran parte de la película gira en torno a aspectos que resultan difusos”, precisó el director.
La ambigüedad, la belleza de lo abyecto, el exceso de las pasiones estuvo en la mira del “Frankenstein” (nominada como mejor película) de Guillermo del Toro, su obra más personal hasta el momento. “Nací para hacer esta película”, declaró en una entrevista, como si su anterior cinematografía no hubiera sido sino el preámbulo a “Frankenstein”, cual compendio de lo sublime del ser contenido en su creación. El poder de sujeción y atracción de este Frankenstein (Jacob Elordi, nominado como mejor actor de reparto) residió en su fragilidad, pero no la que conlleva debilidad, sino la que se nutre de ella para empinarse por encima de las miserias y dominarlas; con lo cual solo contó con la incertidumbre de su origen y la memoria prestada de los otros, hecha suya a fuerza de acopiarla, para abocarse a la accidentada expedición a la caza de Victor. Una expedición, entendida por el cineasta como una épica del abandono y el deseo, donde el monstruo fue humanizándose y amando en tanto se nos revelaba la monstruosidad y el desamor de su artífice, a la manera de otras producciones suyas como El laberinto del fauno (2006) y The Shape of Water (2017).
Probablemente la adaptación más próxima al espíritu de la novela de Mary Shelley, “Frankenstein” resonó en el imaginario presente, donde la intimidación, la sujeción del más débil, la impunidad del poder para actuar a su antojo a expensas de la gente, se han constituido en la norma. Ello ha redundado en un alto grado de ansiedad global. “El libro está lleno de ansiedad”, observó a su vez del Toro, quien logró traspolar “los ritmos de Mary Shelley” a la pantalla, a fin de asentar que el ahora y el ayer tienen mucho en común, dado el empuje expansionista de los imperialismos durante el siglo XVIII y su resurgimiento descontrolado y sangriento en el siglo XXI.
Una realidad, de la cual se hizo eco la 97ª. entrega de los Oscars, tanto en los velados comentarios del maestro de ceremonias, como de algunos de los participantes. Aquí Javier Bardem, quien llevaba en la solapa de la chaqueta, no el reglamentario broche de brillantes tomado en préstamo a las damas del pasado por los caballeros de hoy, sino un pin donde se podía leer en letras de un rojo sangre “No a la guerra”, pidió por la paz y la libertad de Palestina. En tanto que “No Other Land”, documental palestino-israelí dirigido por Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham y Rachel Szor (Oscar al mejor largometraje documental), retrató la destrucción de los hogares palestinos y la vida bajo la ocupación, lo cual fue enfatizado por los directores al recibir la estatuilla, destacando así el poder mediático de los Oscars para denunciar los males contemporáneos.