Rainer Werner Fassbinder

Rainer Werner Fassbinder nació el 31 de Mayo de 1946 en la ciudad bávara de Bad Wörishofen. Su padre era doctor y su madre, Liselotte, traductora. Fassbinder cursó estudios en Augsburg y Munich pero los dejó inconclusos para luego trabajar en diferentes empleos. Estudió artes dramáticas en el Fridl-Leonhard Studio en Munich y se unió al Action Theater en 1967.

Fue un joven rebelde desde muy temprano: a la edad de 15 años le declaró su homosexualidad a su alarmado padre y ya, desde entonces, comenzó a frecuentar bares gay.

Su vida estuvo signada por el escándalo, su nombre apareció frecuentemente publicado en los periódicos muchas veces en entrevistas donde criticaba amargamente a su país: "es mejor ser barrendero en México que director de cine en Alemania." llegó a declarar cierta vez.

Varios de sus amantes se suicidaron: uno se ahorcó en la cárcel y otro fue encontrado muerto en su departamento.

Realizó 41 películas en 14 años, y también trabajó como actor, productor, manager teatral, compositor, diseñador, editor y cameraman. Murió por sobredosis de drogas en 1982, año considerado como el fin del Nuevo Cine Alemán.

El cine de Fassbinder ataca despiadadamente a la sociedad burguesa alemana y, al mismo tiempo, muestra el ansia desesperada de amor y libertad en el ser humano frustrado por esta misma sociedad.

Los títulos de dos de sus películas resumen su pesimismo romántico: El Amor es más frío que la muerte (1969) y Sólo quiero que me amen (1976). En el primero: el personaje que Fassbinder interpreta, Franz, vive con una prostituta, Joanna, que accede incondicionalmente a todo lo que él le pide, aún cuando se trate de acostarse con un amigo de Franz, Bruno, a quién éste invita a dormir con ella. Transcribiendo su propia experiencia, Fassbinder implanta escrúpulos burgueses y ansias de posesión en la mujer, que, según él: "está aún más dominada que los demás por sus prejuicios de burguesa, a pesar de su profesión, ya que quiere salvar su relación con Franz haciendo de prostituta para él e incluso traicionando a Bruno al denunciar a la policía el robo que éste ha cometido. Prefiere estar sola que compartir a Franz con Bruno."

Fassbinder no fue sólo un crítico del orden establecido, fue asimismo rechazado desde la derecha y desde la izquierda, muchas veces se lo acusó de misógino, traidor y hasta de antisemita. Las Amargas Lágrimas de Petra von Kant (1971), filme escrito y dirigido por él, ha sido citado por críticos feministas y homosexuales como anti-gay y misógino, tal vez porque muestra el tipo de explotación de clase que existe dentro del círculo de mujeres lesbianas. El personaje principal es una diseñadora de ropa que vive en un mundo de sueños creado por ella misma, un sutil velo que la envuelve y la separa del mundo exterior. Después de que su matrimonio heterosexual fracasa, la autócrata mujer de clase se enamora de Karin, una hermosa modelo perteneciente a la clase trabajadora cuya explotación por parte de Petra refleja el terrible abuso psicológico que ejerce también en su sirvienta Marlene. La máscara histérica de Petra es la misma que aparece en muchos filmes de Fassbinder: es la máscara que oculta un vacío de todo sentimiento, de alguien desesperado por amor. Intenta retratar la lenta e inevitable disolución de las relaciones humanas, y sus actrices se mueven como en un pausado trance hasta un vasto mundo de deseos que van descubriendo debajo de esa superficie pulida y brillante.

El origen teatral del director es evidente en Las amargas lágrimas de Petra von Kant por la forma estilizada y matizada de actuar con lentos y autoconscientes gestos y, muchas veces, por la puesta en escena tan cercana a la utilizada en obras teatrales con luces coloreadas que envuelven la atmósfera, diálogos pausados y el estatismo de la cámara. Este es también el caso de su último trabajo Querelle (1982) adaptación de la peculiar obra de Genet cuyo tema homoerótico es tomado por Fassbinder en una especie de romance homosexual fetichista y kitsch mezclado con una arquetípica imaginería gay de marineros y hombres vestidos con ropa de cuero. La escenografía es una especie de puesta de sol anaranjada, un paisaje de lejanas callejuelas, partes de barcos y una enorme columna fálica que ensombrece la acción en un juego de luces y sombras de influencia expresionista. Fassbinder explota las tensiones sexuales y criminales en este espacio cerrado, especialmente en aquellas escenas que implican al personaje principal. Esta es una de las obras más fuertemente sadomasoquistas de su filmografía.

Con Berlín Alexanderplatz (1980), El Matrimonio de María Braun (1978), La vida íntima de Lili Marleen (1978), Lola (1981) y La Nostalgia de Verónica Voss (1982), Fassbinder retorna a las formas narrativas anteriores, a la crítica social y al melodrama.

La vida íntima de Lili Marleen es una adaptación libre de la vida de Lale Andersen, una joven cantante enamorada de Robert, un talentoso músico suizo que a menudo viaja a Alemania para ayudar a judíos amenazados por el régimen nazi. Willie, la joven cantante, comienza a tener éxito cuando se descubre casualmente su grabación de "Lili Marleen" en una emisora militar en Belgrado. Robert sigue trabajando para la organización humanitaria pero, en uno de sus viajes, es apresado por los alemanes y luego canjeado por otros prisioneros. También Willie es atrapada por los engranajes de la maquinaria política. El mismo Fassbinder habla de su filme de esta forma: “En Lili Marleen tengo una protagonista que se deja llevar por las emociones más que por las ideas. Por eso intenté hacer una puesta en escena orientada hacia los sentimientos. Y necesité música para hacerlo. Se pueden lograr tantas cosas gracias al efecto sugestivo que tiene la música... En todo momento en que sucedía algo en la película había música. Y no casualmente Hitler puso en escena espectáculos tan cargados de emociones como los eventos en el Sportpalast: es que la música también es una forma de manipular a la gente”.

En este filme, Fassbinder vuelve a la carga con sus críticas hacia la alta burguesía y, en cambio, muestra admiración por el pueblo alemán de clase baja; plantea su posición política a través de la música: la canción Lili Marleen es un tema tan popular que los soldados alemanes dejan de pelear para escucharla, les da fuerza para continuar, es como un homenaje, un himno que los sustenta moralmente y les da un motivo para luchar, la canción reza:

Contrariamente presenta las sinfonías de Félix Mendelssohn -compositor romántico de origen judío, perteneciente a una familia de la alta burguesía- como música de élite interpretada, compuesta y escuchada por miembros de las clases más elevadas quienes, hacia el final de la película, desprecian a Willie por no ser digna de su entorno.

Otro de los filmes polémicos en cuanto a su contenido político es La Tercera Generación (1979). Para los primeros planos Fassbinder instala la cámara en un lugar estratégico de Berlín, frente a la Iglesia del Kaiser Guillermo I –uno de los símbolos más representativos de la historia alemana, ya que es la única iglesia que sobrevivió a los bombardeos de 1945- para presentar su propia visión de la historia en el corazón mismo de Berlín, allí donde se unen el presente y el pasado.

La tercera generación hace referencia a la tercera camada de células terroristas que surgió posteriormente a los movimientos estudiantiles de 1968 y a la RAF (o banda de Baader-Meinhof) que, para la época en la que transcurre el filme, ya habían pasado a la clandestinidad y habían sido encarcelados en la prisión de alta seguridad de Stammheim.

Desde el punto de vista de Fassbinder, la tercera generación ya no poseía ningún objetivo revolucionario ni razón de existir como fuerza armada, por lo que fueron manipulados por los sectores industriales asociados a la fabricación de tecnología de seguridad, información y armas, y por el mismo Estado a través de la policía.

En el filme queda claro que Peter Lurz, el dueño de la empresa de ordenadores al borde de la quiebra, trabaja en colaboración con un alto funcionario de la policía, Gerhard Gast, para crear una red informática que controle más eficazmente a la población en general, a los simpatizantes de los grupos armados y a los terroristas potenciales. Pero lo que llama aún más la atención es que los miembros de estos grupos armados se mueven en ambientes burgueses y trabajan como empleados o son familiares directos del industrial y del funcionario policial. Precisamente este último relata haber tenido un sueño en el que “el capital inventaba el terrorismo para proteger mejor al capitalismo”, frase que condensa la clave de lectura para La Tercera Generación. El mismo realizador refuerza esta misma idea al explicar en una entrevista la base de su pensamiento: “el terror no sirve jamás al pueblo, siempre sirve al Estado, y el Estado siempre necesita un enemigo para afrontar sus crisis internas”.

Más allá del contenido político, las películas de Fassbinder son melodramas que estudian a grupos de personajes en sus más íntimas relaciones narrando sus sufrimientos desde el punto de vista de las víctimas, los despojados, los agredidos, los excluidos, llevándolos hacia el camino del suicidio y la autodestrucción.

Sus influencias más directas las podemos encontrar en los referentes del cine mudo donde se pueden rastrear trazos expresionistas, naturalistas y, con mayor frecuencia, del Kammerspielfilm, puesto que varios de sus relatos se desarrollan en reductos enclaustrados en torno a las relaciones entre un número escaso de personajes.

Fassbinder se inspiró asimismo en los melodramas de otro ilustre realizador alemán que trabajó en Hollywood en los años ‘50: Douglas Sirk. La propensión al barroquismo, a la presencia de espejos, los vidrios y las mamparas, a los ocultamientos y desdoblamientos, acerca el universo de Fassbinder al de Sirk y al de Max Ophuls.

Ha tomado los mejores elementos del teatro brechtiano, del cine americano, de la narrativa clásica y de la estética gay para componer un trabajo que continúa provocando al espectador: “Me parece que quien va al cine sabe en mayor o menor grado lo que le espera, de modo que puedo creerlo capaz de un cierto esfuerzo y puedo esperar también que le divierta ese esfuerzo. Uno no debería caer jamás en el facilismo frente al público, sino exigirlo y provocarlo constantemente.” (R.W.Fassbinder)

Adriana Schmorak Leijnse